Paisajes de Mi Tierra

Artista: Milton Morales Grillo

Obra tomada de la serie “Paisajes de Mi Tierra”

Técnica Mixta

Pintura contemporánea y abstracta

Descripción

Esta obra de arte moderna contemporánea es una obra abstracta creada con pintura acrílica sobre oleo. Esta obra de arte fue tomada de la serie “Paisajes de Mi Tierra” del pintor colombiano Milton Morales Grillo. Se puede observar como una especie de lago en la parte superior, en la parte media se observa la tierra con la forma de unas montañas y en la parte superior el cielo pintado de azul con reflejos rojos y anaranjados. Se puede ver unas aves de color blanco volando alrededor del mar y el cielo.

Análisis

La obra tiene colores cálidos, como el rojo, el naranja y el amarillo en la parte inferior, y colores fríos como el azul en la parte superior de la obra. Los colores utilizados tienen gran intensidad y son brillantes. Se pueden observar líneas horizontales para marcar la división entre el agua y la tierra lo cual da una sensación de calma así como líneas horizontales que comunicación fuerza en la obra. La obra tiene una textura simulada, ya que da la apariencia y la ilusión de una superficie representada por el artista. La obra tiene gran profundidad, Morales utiliza la perspectiva para crear el espacio en la pintura. El balance de la obra es casi simétrico, ya que se utiliza un eje central y el lado derecho es casi un espejo del izquierdo, lo que produce una composición estable en la obra. La proporción es correcta, ya que se utilizan las proporciones correctas en tamaño, forma y color.

Interpretación

El elemento más importante que se puede observar en la obra son los colores brillantes y como se mezclan entre ellos; la parte más cálida de la obra se enfoca en el mar y en la tierra, esto se puede interpretar de que para el artista, el mar y la tierra son de gran importancia para él y guardan un significado importante. Se puede analizar que sin importar si es de día o de noche, el mar sigue teniendo colores vividos, como si hubiera un sol reflejándose en el agua. La manera en que el artista rodea la tierra de color rojo y cómo el mar en su parte central tiene colores vivos y cálidos se podría decir que el artista quiere transmitir la importancia de los elementos que conforman la tierra y la belleza de la naturaleza.

Juicio

La obra de arte se podría decir que es estéticamente valiosa ya que el artista es capaz de utilizar los elementos y cualidades del arte para conformar la composición de la obra. Es interesante ver como Morales combinó los colores cálidos y fríos en la pintura dándole un mayor significado a su obra. La obra de arte se basa en la teoría del formalismo y el emocionalismo, ya que gracias a la  organización efectiva de los colores, la profundidad, la simetría y el balance, el artista es capaz de crear una comunicación vivida en el espectador, dándole un sentimiento de tranquilidad mientras transmite sus sentimientos e ideas. 

Reflexion Final

La evolución del pensamiento humano a través del arte y  la importancia del arte para la expresión ideológica y cultural del hombre.

La evolución del pensamiento humano a través del arte se puede apreciar enormemente en las diferentes obras de arte de cada época, durante la Época Clásica el arte estaba basado principalmente en el antropocentrismo, las bellas artes y las artes menores, durante la Edad Media el teocentrismo era el principal pensamiento humano que se encontraba representado en las diferentes obras, ya sea pictóricas, escultóricas o arquitectónicas. Finalmente, durante la Época del Renacimiento se vuelve a retomar el uso de los conceptos de la pintura clásica y las ideas antropocéntricas combinadas, en cierta manera, con el teocentrismo. Como se puede ver, las diferentes manifestaciones del arte a evolucionado junto con las nuevas formas de pensar de la sociedad, las costumbres, la ética, moral, ideas filosóficas, entre otras. El artista libera su ideología y sus emociones con una intención de llegar a la conciencia de su espectador. A lo largo de la historia el ser humano a encontrado una necesidad para expresar sus sentimientos, pensamientos, emociones, entre otras. Según la RAE el arte es, la manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros. Y la definición de cultura dice, que es la evolucionada capacidad humana de clasificar y representar las experiencias con símbolos y actuar de forma imaginativa y creativa. Lo cual en conjunto se muestra que el hombre necesita expresarse de alguna manera, lo cual crea el arte. Y es una forma en la cual a lo mejor el hombre no es libre de decir lo que piensa o si esta de acuerdo con la política y religión. Es por eso que el arte es tan importante porque es el método que utiliza el hombre para expresar cualquier pensamiento que tiene, puede ser directamente o indirectamente, puede estar en acuerdo o desacuerdo con la sociedad, y puede dejar una marca en el mundo por lo largo de miles de años. Definitivamente el arte es muy importante para el ser humano, en la expresión ideológica y cultural de la sociedad en si.


Reflexión Final Daniela Lozano

Lo que aprendí este semestre en Español fueron muchas cosas; aprendí sobre la Edad Griega, el Renacimiento, la Edad Media y la Época Contemporánea. Analicé obras de artistas tal como Miguel Ángel, también aprendí muchas cosas que no sabía de las catedrales Góticas. Además leí y analicé mitos que hablaban de la creación del mundo, desde la perspectiva del Popol Vuh y el Génesis. Leí muchos textos de diferentes épocas pero mi favorito fue el de Antígona, que me dejo como enseñanza que la familia es lo más importante. Después vimos el Renacimiento, donde fue un cambio notorio, y aprendí como las creencias de la sociedad cambiaron y ya no basaban tanto su vida en Dios y empezaron a hacer obras más humanistas como el Dávid, y la Piedad. Por ultimo en el cuarto parcial aprendí sobre la época contemporánea, la cual es la época con la que más me relaciono, ya que es la más moderna y no sus creencias son muy parecidas a las mías, y leí la obra de Macbeth, lo cual fue interesante pero un poco compleja, lo cual no le entendí tan bien. Finalmente quiero agradecerle a mi maestro Alfredo ya que es un excelente maestro y creó un gran interés en mi por la lectura y también por las obras de arte. Hizo de la clase una hora extraordinaria, lo cual logro captar mi atención e interés en su clase. 

Reflexión Final Karla Mendoza 

Durante este semestre he aprendido muchas cosas acerca de la literatura clásica, sobre la época Medieval y el sobre la época Renacentista. En el primer parcial más que nada aprendí a analizar una obra de arte, ya sea críticamente o históricamente, yo creo que esto realmente fue un gran aprendizaje para mí, ya que yo no tenía idea de cómo apreciar y analizar correctamente una pintura utilizando los elementos del arte. Tuve la oportunidad de leer diferentes lecturas y textos tales como el de Antígona, La Abadesa en Cinta, el Génesis, Macbeth, entre otros. Para mí, el que me pareció más interesante de leer fue la lectura de Macbeth, logró mantenerme interesada e intrigada sobre lo que iba a pasar en la obra. Me pareció muy interesante ver las características de los diferentes personajes y como cada uno tiene un papel crítico en la historia de la obra. También aprendí sobre como el pensamiento humano y su ideología es capaz de plasmarse en las obras de arte y cómo cada época tiene un estilo diferente. En general el curso me pareció bastante interesante y entretenido, en especial la manera en que mi maestro, Alfredo, fue capaz de crear un interés en mi para seguir aprendiendo y entender cada aspecto del curso.  

Dualidad Natura

Durante este mes de Abril visitamos una exposición artística en la cual observamos diferentes obras de la artista Perla Krauze. En este caso, la exposición fue una exploración de distintos materiales. El nombre de la exposición es "Dualidad Natura" , recibe este nombre debido a que la artista utiliza diferentes materiales dentro de una obra para así representar los momentos contradictorios que nos llevan a dualidades y preguntas. 

La obra que llamó más nuestra atención fue la obra titulada "Flor". Elaborada con plomo reciclado ya temporizado con memoria y huellas del tiempo. Debido a que el plomo es un material maleable y dúctil, y a su vez tóxico. La metodología que seria más adecuada para analizar la obra de Perla Krauze seria la critica, debido a que como es una artista contemporánea no ha marcado un hecho importante en la historia. Las obras artisticas que se encuentran en la exposicion fueron creadas con materiales poco comunes en el mundo del arte. Perla Krauze utiliza elementos como cemento sobre madera. A continuación se analizara la obra "Flor" más detalladamente.

Esta obra hecha por Perla Krauze, fue creada con plomo, un material maleable y diferente. La obra de arte tiene un color gris metálico. Se puede observar la forma de una flor, hecha con delicadeza pero sin tanto detalle, podría decirse que la flor es una rosa gris.

Al momento de analizar la obra podemos observar que se el color utilizado es un color opaco. La obra tiene lineas curvas, las cuales representan y transmiten la fluidez. Debido a que la obra no es una pintura, la textura es una textura real debido a que se puede sentir el plomo rugoso al momento de tocarla. El objeto es un objeto tridimensional, ya que posee altura, anchura y profundidad. 

La flor de Krauze esta llena de significados, es una representación de la fragilidad y la vida, pero al mismo tiempo esta un tanto marchita, el paso del tiempo ha sido evidente. El agua que se encuentra en los contenedores de plomo, representa la "vida", esto puede simbolizar la dualidad, elemento característico en las obras de la artista. El usar lámina de plomo "pintada" con agua nos da la idea del fluir pero de los opuestos. 

Se podría decir que la obra es estéticamente valiosa, ya que se basa en la teoría del emocionalismo. Esta teoría justifica la obra de arte, debido a que la artista comunica sus ánimos, sentimientos y mas que nada sus ideas dentro de su obra de arte titulada "Flor".

Condottiero Gattamelata

La escultura del Condottiero Gattamelatta, obra de Donatello, lo cual se sitúa en Padua. Inspirada en el Marco Aurelio romano, creada en 1453. La obra representa el ideal de nobleza encarnado en un personaje real. A continuación se analizara la obra.

Analizando la estatua se puede observar el jinete Gattamelata lleva una armadura bastante decorada simbolizando poder. El caballo levanta una de sus patas delanteras y la apoya en una bola por razones de equilibrio. La obra también cumple con las características de la escultura Quattrocenta que son: realismo idealizado, el tema principal es lo humano, glorifica la belleza, el estudio del cuerpo humano. Además se utiliza la perspectiva a lo que contribuye a un realismo. La obra esta compuesta principalmente de mármol y bronce. Las piernas del caballo son curvas lo cual expresa movimiento y crean la sensación de que el caballo esta caminando. Observando ambos el jinete y el caballo se puede encontrar un gran contraste en los ejes vertical y horizontal de las dos figuras, que se contrarrestan y hacen una imagen armoniosa y equilibrada. La escultura no tiene simetría, ya que en la parte superior el tamaño del jinete es mucho mas pequeño que la del caballo de la parte de debajo de la obra. Es de forma tridimensional, con volumen y profundidad, las sombras crean una sensación de un caballo fuerte. La estatua no esta pintada pero aparenta colores fríos, lo cual expresa misterio, pero fortaleza al mismo tiempo. La postura del jinete y la ropa que trae puesta representa fortaleza, seguridad y poder militar.

El Condotiero Gattamelata manifiesta de forma plástica los conceptos de realismo e idealización, con un estudio naturalista de la figura humana. La obra pertenece a la época Quatrrocenta. Visualizando la obra se puede notar el naturalismo y la serenidad del jinete y del caballo. La obra fue creada para glorificar al personaje representado, y resalta las virtudes del militar. Lo cual el jinete maneja al caballo sin violencia pero manteniendo su postura y autoridad. 

En conclusión la obra claramente crea un claro ejemplo de lo que se rescata de lo antiguo, desarrollando un tipo de retrato de un jinete montando un caballo (ecuestre) que tendrá una profunda influencia en la escultura posterior. La obra es visualmente valiosa ya que da una imagen del poder, que será imitado por caudillos militares y monarcas.

Historia del Arte: Renacimiento

La Primavera

Descripción

La Primavera, obra creada por el famoso pintor florentino Sandro Botticelli, es una pintura de temple de huevo sobre tabla. En el centro de la pintura podemos apreciar la imagen de Venus, diosa del amor; del lado derecho se encuentra Céfiro, el viento que persigue a la ninfa de la Tierra, llamada Cloris, la cual al ser tocada por Céfiro se transforma en Flora, la diosa de la vegetación y de las flores. En la parte superior se encuentra Cupido, quien dirige sus flechas a las tres Gracias del lado izquierdo de la obra. La Gracia del centro, llamada Castitas está volteando a ver al dios Mercurio, el cual se encuentra en el extremo izquierdo de la pintura, mensajero de los dioses y el vínculo entre la tierra y el cielo. 

Análisis

En la pintura se puede apreciar como Botticelli fue capaz de utilizar el detalle y la riqueza de los colores. La delicadeza con la cual representa a la naturaleza, como se puede observar en el vestido de Flor, el cual está cubierto por flores de distintas especies. Las figuras dentro de la obra parecieran como si flotaran, esto se puede observar en las tres Gracias, así mismo se puede observar como el artista crea movimiento dentro de las figuras. Se utiliza la perspectiva dentro de la obra ya que las figuras parecen estar a diferentes distancias. La composición de la pintura es equilibrada, con una luz homogénea y color delicado. El ambiente dentro de la obra se podría decir que es melancólico. Sandro Botticelli utilizó un tema mitológico para la creación de su famosa obra. La pintura de Botticelli glorifica el cuerpo desnudo, característica importante dentro de la época del Renacimiento. 

Interpretación

La pintura es un símbolo del amor platónico y la armonía entre la naturaleza y la humanidad. También se puede interpretar que Sandro Botticelli quiso representar los meses, desde el mes de febrero (Céfiro) al mes de septiembre (Mercurio). 

Es importante la representación del ser humano y del paisaje dentro de la obra, así como la búsqueda de la belleza y la imitación de la realidad. Botticelli obtuvo su inspiración en la Antigua Grecia y roma, al usar el desnudo, el tema “mitológico” y la armonía. 

Juicio

Se podría decir que la obra es estéticamente valiosa, ya que se basa en las diferentes teorías del arte, como la del formalismo y el emocionalismo. Sandro Botticelli utiliza efectivamente los elementos del arte, tales como la perspectiva, el movimiento, el balance, entre otros, para crear su obra. De la misma manera el artista es capaz de comunicar y transmitir una sensación de melancolía a los espectadores, a través de los rostros melancólicos de las figuras que se encuentran en la pintura.

Exposición Escultórica

Durante este mes de Marzo, visitamos el
museo "Antiguos Mexicanos" en el Planetario Alfa, es una exposición de piezas originales donde puedes conocer más acerca de los Olmeas, Mayas, Teotihucanos, Zapotecas, Mexicas y Occidente. 

En el museo observamos diferentes esculturas y piezas de diferentes grupos étnicos, que representan las costumbres y creencias de las culturas más importantes que habitaron nuestro país. De los totonacas identificamos la producción de figuras con caras sonrientes, figuras y esculturas mayas, olmecas, teotihucanas, entre otras. Este museo se localiza en el quinto piso del Planetario Alfa, en San Pedro Garza García. 

La pieza que más llamo nuestra atención fue una figura de la cultura Maya titulada "Kinich Ahau", un brasero de cerámica con la representación de Kinich Ahau, dios solar. Esta obra nos pareció bastante interesante, ya que se observan varias caras en una solo piezas. Las caras o mascaras que se encuentran en la cerámica, tienen una forma impresionante de llamar la atención del espectador, ya que contienen formas y relieves que destacan la cultura maya. 

Nosotras creemos que ambas metodologías se podrían utilizar para analizar esta obra porque contienen aspectos importantes, tanto históricos como críticos del arte. La obra de cerámica maya contiene muchos símbolos y figuras importantes, así mismo la escultura forma una parte importante en la historia maya y representa las costumbres y forma de vida de los antepasados de nuestro país. 

Esta obra de arte es un brasero de cerámica creado en forma vertical, tiene  un color entre gris y café. Es una escultura maya con cuatro cabezas cada una con una nariz, ojos grandes, una especie de accesorio en la parte superior de la cabeza, mide aproximadamente un metro de altura y alrededor de unos 30 cm de ancho. 

Las lineas de la escultura son verticales, va de arriba hacia abajo, la escultura busca atención y en enfoque del espectador. Utiliza formas geométricas y tiene una forma tridimensional. La textura de la escultura es real, ya que literalmente podemos sentir la rugosidad y textura de la obra y sus diferentes relieves y formas. La escultura es un brasero de cerámica con tres cabezas que están relacionadas con la fertilidad y Kinch Ahua, un dios solar maya. 

Los mayas tenían una creencia unida a una ideología reinante, eran personas dedicadas a venerar a distintos dioses dependiendo de su ideología y su religión. Los hombres se  preocupaban en entender el por que sucedían las cosas como lo hacían, es por esto que trataban de explicar las cosas a través de mitos o leyendas. Esta cultura prehispánica se dedicaba al culto, a la devoción a distintos dioses, a el sacrificio humano o de animales. Esta obra es una de las muchas esculturas y representaciones artísticas de la cultura maya, es una representación de Kinich Ahua, el dios solar, gobernante de los dioses y solucionado de problemas. Las flores en las cabezas representan la fertilidad de la tierra y entre las 4 cuatro cabezas que se pueden observar se encuentra la del dios y las otras 3 la fertilidad. 

Se podría decir que esta escultura tiene un valor de gran importancia para la historia porque es una representación de las costumbres y creencias religiosas de los mayas y la manera en la que ellos entendían y relacionaban su entorno. La teoría del arte que sustentaría a esta obra sería la del formalismo. La escultura impone un estilo artístico, sin embargo nos hace entender como el autor o autores que crearon esta pieza de cerámica pensaban o creían.