Dualidad Natura

Durante este mes de Abril visitamos una exposición artística en la cual observamos diferentes obras de la artista Perla Krauze. En este caso, la exposición fue una exploración de distintos materiales. El nombre de la exposición es "Dualidad Natura" , recibe este nombre debido a que la artista utiliza diferentes materiales dentro de una obra para así representar los momentos contradictorios que nos llevan a dualidades y preguntas. 

La obra que llamó más nuestra atención fue la obra titulada "Flor". Elaborada con plomo reciclado ya temporizado con memoria y huellas del tiempo. Debido a que el plomo es un material maleable y dúctil, y a su vez tóxico. La metodología que seria más adecuada para analizar la obra de Perla Krauze seria la critica, debido a que como es una artista contemporánea no ha marcado un hecho importante en la historia. Las obras artisticas que se encuentran en la exposicion fueron creadas con materiales poco comunes en el mundo del arte. Perla Krauze utiliza elementos como cemento sobre madera. A continuación se analizara la obra "Flor" más detalladamente.

Esta obra hecha por Perla Krauze, fue creada con plomo, un material maleable y diferente. La obra de arte tiene un color gris metálico. Se puede observar la forma de una flor, hecha con delicadeza pero sin tanto detalle, podría decirse que la flor es una rosa gris.

Al momento de analizar la obra podemos observar que se el color utilizado es un color opaco. La obra tiene lineas curvas, las cuales representan y transmiten la fluidez. Debido a que la obra no es una pintura, la textura es una textura real debido a que se puede sentir el plomo rugoso al momento de tocarla. El objeto es un objeto tridimensional, ya que posee altura, anchura y profundidad. 

La flor de Krauze esta llena de significados, es una representación de la fragilidad y la vida, pero al mismo tiempo esta un tanto marchita, el paso del tiempo ha sido evidente. El agua que se encuentra en los contenedores de plomo, representa la "vida", esto puede simbolizar la dualidad, elemento característico en las obras de la artista. El usar lámina de plomo "pintada" con agua nos da la idea del fluir pero de los opuestos. 

Se podría decir que la obra es estéticamente valiosa, ya que se basa en la teoría del emocionalismo. Esta teoría justifica la obra de arte, debido a que la artista comunica sus ánimos, sentimientos y mas que nada sus ideas dentro de su obra de arte titulada "Flor".

Condottiero Gattamelata

La escultura del Condottiero Gattamelatta, obra de Donatello, lo cual se sitúa en Padua. Inspirada en el Marco Aurelio romano, creada en 1453. La obra representa el ideal de nobleza encarnado en un personaje real. A continuación se analizara la obra.

Analizando la estatua se puede observar el jinete Gattamelata lleva una armadura bastante decorada simbolizando poder. El caballo levanta una de sus patas delanteras y la apoya en una bola por razones de equilibrio. La obra también cumple con las características de la escultura Quattrocenta que son: realismo idealizado, el tema principal es lo humano, glorifica la belleza, el estudio del cuerpo humano. Además se utiliza la perspectiva a lo que contribuye a un realismo. La obra esta compuesta principalmente de mármol y bronce. Las piernas del caballo son curvas lo cual expresa movimiento y crean la sensación de que el caballo esta caminando. Observando ambos el jinete y el caballo se puede encontrar un gran contraste en los ejes vertical y horizontal de las dos figuras, que se contrarrestan y hacen una imagen armoniosa y equilibrada. La escultura no tiene simetría, ya que en la parte superior el tamaño del jinete es mucho mas pequeño que la del caballo de la parte de debajo de la obra. Es de forma tridimensional, con volumen y profundidad, las sombras crean una sensación de un caballo fuerte. La estatua no esta pintada pero aparenta colores fríos, lo cual expresa misterio, pero fortaleza al mismo tiempo. La postura del jinete y la ropa que trae puesta representa fortaleza, seguridad y poder militar.

El Condotiero Gattamelata manifiesta de forma plástica los conceptos de realismo e idealización, con un estudio naturalista de la figura humana. La obra pertenece a la época Quatrrocenta. Visualizando la obra se puede notar el naturalismo y la serenidad del jinete y del caballo. La obra fue creada para glorificar al personaje representado, y resalta las virtudes del militar. Lo cual el jinete maneja al caballo sin violencia pero manteniendo su postura y autoridad. 

En conclusión la obra claramente crea un claro ejemplo de lo que se rescata de lo antiguo, desarrollando un tipo de retrato de un jinete montando un caballo (ecuestre) que tendrá una profunda influencia en la escultura posterior. La obra es visualmente valiosa ya que da una imagen del poder, que será imitado por caudillos militares y monarcas.

Historia del Arte: Renacimiento

La Primavera

Descripción

La Primavera, obra creada por el famoso pintor florentino Sandro Botticelli, es una pintura de temple de huevo sobre tabla. En el centro de la pintura podemos apreciar la imagen de Venus, diosa del amor; del lado derecho se encuentra Céfiro, el viento que persigue a la ninfa de la Tierra, llamada Cloris, la cual al ser tocada por Céfiro se transforma en Flora, la diosa de la vegetación y de las flores. En la parte superior se encuentra Cupido, quien dirige sus flechas a las tres Gracias del lado izquierdo de la obra. La Gracia del centro, llamada Castitas está volteando a ver al dios Mercurio, el cual se encuentra en el extremo izquierdo de la pintura, mensajero de los dioses y el vínculo entre la tierra y el cielo. 

Análisis

En la pintura se puede apreciar como Botticelli fue capaz de utilizar el detalle y la riqueza de los colores. La delicadeza con la cual representa a la naturaleza, como se puede observar en el vestido de Flor, el cual está cubierto por flores de distintas especies. Las figuras dentro de la obra parecieran como si flotaran, esto se puede observar en las tres Gracias, así mismo se puede observar como el artista crea movimiento dentro de las figuras. Se utiliza la perspectiva dentro de la obra ya que las figuras parecen estar a diferentes distancias. La composición de la pintura es equilibrada, con una luz homogénea y color delicado. El ambiente dentro de la obra se podría decir que es melancólico. Sandro Botticelli utilizó un tema mitológico para la creación de su famosa obra. La pintura de Botticelli glorifica el cuerpo desnudo, característica importante dentro de la época del Renacimiento. 

Interpretación

La pintura es un símbolo del amor platónico y la armonía entre la naturaleza y la humanidad. También se puede interpretar que Sandro Botticelli quiso representar los meses, desde el mes de febrero (Céfiro) al mes de septiembre (Mercurio). 

Es importante la representación del ser humano y del paisaje dentro de la obra, así como la búsqueda de la belleza y la imitación de la realidad. Botticelli obtuvo su inspiración en la Antigua Grecia y roma, al usar el desnudo, el tema “mitológico” y la armonía. 

Juicio

Se podría decir que la obra es estéticamente valiosa, ya que se basa en las diferentes teorías del arte, como la del formalismo y el emocionalismo. Sandro Botticelli utiliza efectivamente los elementos del arte, tales como la perspectiva, el movimiento, el balance, entre otros, para crear su obra. De la misma manera el artista es capaz de comunicar y transmitir una sensación de melancolía a los espectadores, a través de los rostros melancólicos de las figuras que se encuentran en la pintura.