Paisajes de Mi Tierra

Artista: Milton Morales Grillo

Obra tomada de la serie “Paisajes de Mi Tierra”

Técnica Mixta

Pintura contemporánea y abstracta

Descripción

Esta obra de arte moderna contemporánea es una obra abstracta creada con pintura acrílica sobre oleo. Esta obra de arte fue tomada de la serie “Paisajes de Mi Tierra” del pintor colombiano Milton Morales Grillo. Se puede observar como una especie de lago en la parte superior, en la parte media se observa la tierra con la forma de unas montañas y en la parte superior el cielo pintado de azul con reflejos rojos y anaranjados. Se puede ver unas aves de color blanco volando alrededor del mar y el cielo.

Análisis

La obra tiene colores cálidos, como el rojo, el naranja y el amarillo en la parte inferior, y colores fríos como el azul en la parte superior de la obra. Los colores utilizados tienen gran intensidad y son brillantes. Se pueden observar líneas horizontales para marcar la división entre el agua y la tierra lo cual da una sensación de calma así como líneas horizontales que comunicación fuerza en la obra. La obra tiene una textura simulada, ya que da la apariencia y la ilusión de una superficie representada por el artista. La obra tiene gran profundidad, Morales utiliza la perspectiva para crear el espacio en la pintura. El balance de la obra es casi simétrico, ya que se utiliza un eje central y el lado derecho es casi un espejo del izquierdo, lo que produce una composición estable en la obra. La proporción es correcta, ya que se utilizan las proporciones correctas en tamaño, forma y color.

Interpretación

El elemento más importante que se puede observar en la obra son los colores brillantes y como se mezclan entre ellos; la parte más cálida de la obra se enfoca en el mar y en la tierra, esto se puede interpretar de que para el artista, el mar y la tierra son de gran importancia para él y guardan un significado importante. Se puede analizar que sin importar si es de día o de noche, el mar sigue teniendo colores vividos, como si hubiera un sol reflejándose en el agua. La manera en que el artista rodea la tierra de color rojo y cómo el mar en su parte central tiene colores vivos y cálidos se podría decir que el artista quiere transmitir la importancia de los elementos que conforman la tierra y la belleza de la naturaleza.

Juicio

La obra de arte se podría decir que es estéticamente valiosa ya que el artista es capaz de utilizar los elementos y cualidades del arte para conformar la composición de la obra. Es interesante ver como Morales combinó los colores cálidos y fríos en la pintura dándole un mayor significado a su obra. La obra de arte se basa en la teoría del formalismo y el emocionalismo, ya que gracias a la  organización efectiva de los colores, la profundidad, la simetría y el balance, el artista es capaz de crear una comunicación vivida en el espectador, dándole un sentimiento de tranquilidad mientras transmite sus sentimientos e ideas. 

Reflexion Final

La evolución del pensamiento humano a través del arte y  la importancia del arte para la expresión ideológica y cultural del hombre.

La evolución del pensamiento humano a través del arte se puede apreciar enormemente en las diferentes obras de arte de cada época, durante la Época Clásica el arte estaba basado principalmente en el antropocentrismo, las bellas artes y las artes menores, durante la Edad Media el teocentrismo era el principal pensamiento humano que se encontraba representado en las diferentes obras, ya sea pictóricas, escultóricas o arquitectónicas. Finalmente, durante la Época del Renacimiento se vuelve a retomar el uso de los conceptos de la pintura clásica y las ideas antropocéntricas combinadas, en cierta manera, con el teocentrismo. Como se puede ver, las diferentes manifestaciones del arte a evolucionado junto con las nuevas formas de pensar de la sociedad, las costumbres, la ética, moral, ideas filosóficas, entre otras. El artista libera su ideología y sus emociones con una intención de llegar a la conciencia de su espectador. A lo largo de la historia el ser humano a encontrado una necesidad para expresar sus sentimientos, pensamientos, emociones, entre otras. Según la RAE el arte es, la manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros. Y la definición de cultura dice, que es la evolucionada capacidad humana de clasificar y representar las experiencias con símbolos y actuar de forma imaginativa y creativa. Lo cual en conjunto se muestra que el hombre necesita expresarse de alguna manera, lo cual crea el arte. Y es una forma en la cual a lo mejor el hombre no es libre de decir lo que piensa o si esta de acuerdo con la política y religión. Es por eso que el arte es tan importante porque es el método que utiliza el hombre para expresar cualquier pensamiento que tiene, puede ser directamente o indirectamente, puede estar en acuerdo o desacuerdo con la sociedad, y puede dejar una marca en el mundo por lo largo de miles de años. Definitivamente el arte es muy importante para el ser humano, en la expresión ideológica y cultural de la sociedad en si.


Reflexión Final Daniela Lozano

Lo que aprendí este semestre en Español fueron muchas cosas; aprendí sobre la Edad Griega, el Renacimiento, la Edad Media y la Época Contemporánea. Analicé obras de artistas tal como Miguel Ángel, también aprendí muchas cosas que no sabía de las catedrales Góticas. Además leí y analicé mitos que hablaban de la creación del mundo, desde la perspectiva del Popol Vuh y el Génesis. Leí muchos textos de diferentes épocas pero mi favorito fue el de Antígona, que me dejo como enseñanza que la familia es lo más importante. Después vimos el Renacimiento, donde fue un cambio notorio, y aprendí como las creencias de la sociedad cambiaron y ya no basaban tanto su vida en Dios y empezaron a hacer obras más humanistas como el Dávid, y la Piedad. Por ultimo en el cuarto parcial aprendí sobre la época contemporánea, la cual es la época con la que más me relaciono, ya que es la más moderna y no sus creencias son muy parecidas a las mías, y leí la obra de Macbeth, lo cual fue interesante pero un poco compleja, lo cual no le entendí tan bien. Finalmente quiero agradecerle a mi maestro Alfredo ya que es un excelente maestro y creó un gran interés en mi por la lectura y también por las obras de arte. Hizo de la clase una hora extraordinaria, lo cual logro captar mi atención e interés en su clase. 

Reflexión Final Karla Mendoza 

Durante este semestre he aprendido muchas cosas acerca de la literatura clásica, sobre la época Medieval y el sobre la época Renacentista. En el primer parcial más que nada aprendí a analizar una obra de arte, ya sea críticamente o históricamente, yo creo que esto realmente fue un gran aprendizaje para mí, ya que yo no tenía idea de cómo apreciar y analizar correctamente una pintura utilizando los elementos del arte. Tuve la oportunidad de leer diferentes lecturas y textos tales como el de Antígona, La Abadesa en Cinta, el Génesis, Macbeth, entre otros. Para mí, el que me pareció más interesante de leer fue la lectura de Macbeth, logró mantenerme interesada e intrigada sobre lo que iba a pasar en la obra. Me pareció muy interesante ver las características de los diferentes personajes y como cada uno tiene un papel crítico en la historia de la obra. También aprendí sobre como el pensamiento humano y su ideología es capaz de plasmarse en las obras de arte y cómo cada época tiene un estilo diferente. En general el curso me pareció bastante interesante y entretenido, en especial la manera en que mi maestro, Alfredo, fue capaz de crear un interés en mi para seguir aprendiendo y entender cada aspecto del curso.  

Dualidad Natura

Durante este mes de Abril visitamos una exposición artística en la cual observamos diferentes obras de la artista Perla Krauze. En este caso, la exposición fue una exploración de distintos materiales. El nombre de la exposición es "Dualidad Natura" , recibe este nombre debido a que la artista utiliza diferentes materiales dentro de una obra para así representar los momentos contradictorios que nos llevan a dualidades y preguntas. 

La obra que llamó más nuestra atención fue la obra titulada "Flor". Elaborada con plomo reciclado ya temporizado con memoria y huellas del tiempo. Debido a que el plomo es un material maleable y dúctil, y a su vez tóxico. La metodología que seria más adecuada para analizar la obra de Perla Krauze seria la critica, debido a que como es una artista contemporánea no ha marcado un hecho importante en la historia. Las obras artisticas que se encuentran en la exposicion fueron creadas con materiales poco comunes en el mundo del arte. Perla Krauze utiliza elementos como cemento sobre madera. A continuación se analizara la obra "Flor" más detalladamente.

Esta obra hecha por Perla Krauze, fue creada con plomo, un material maleable y diferente. La obra de arte tiene un color gris metálico. Se puede observar la forma de una flor, hecha con delicadeza pero sin tanto detalle, podría decirse que la flor es una rosa gris.

Al momento de analizar la obra podemos observar que se el color utilizado es un color opaco. La obra tiene lineas curvas, las cuales representan y transmiten la fluidez. Debido a que la obra no es una pintura, la textura es una textura real debido a que se puede sentir el plomo rugoso al momento de tocarla. El objeto es un objeto tridimensional, ya que posee altura, anchura y profundidad. 

La flor de Krauze esta llena de significados, es una representación de la fragilidad y la vida, pero al mismo tiempo esta un tanto marchita, el paso del tiempo ha sido evidente. El agua que se encuentra en los contenedores de plomo, representa la "vida", esto puede simbolizar la dualidad, elemento característico en las obras de la artista. El usar lámina de plomo "pintada" con agua nos da la idea del fluir pero de los opuestos. 

Se podría decir que la obra es estéticamente valiosa, ya que se basa en la teoría del emocionalismo. Esta teoría justifica la obra de arte, debido a que la artista comunica sus ánimos, sentimientos y mas que nada sus ideas dentro de su obra de arte titulada "Flor".

Condottiero Gattamelata

La escultura del Condottiero Gattamelatta, obra de Donatello, lo cual se sitúa en Padua. Inspirada en el Marco Aurelio romano, creada en 1453. La obra representa el ideal de nobleza encarnado en un personaje real. A continuación se analizara la obra.

Analizando la estatua se puede observar el jinete Gattamelata lleva una armadura bastante decorada simbolizando poder. El caballo levanta una de sus patas delanteras y la apoya en una bola por razones de equilibrio. La obra también cumple con las características de la escultura Quattrocenta que son: realismo idealizado, el tema principal es lo humano, glorifica la belleza, el estudio del cuerpo humano. Además se utiliza la perspectiva a lo que contribuye a un realismo. La obra esta compuesta principalmente de mármol y bronce. Las piernas del caballo son curvas lo cual expresa movimiento y crean la sensación de que el caballo esta caminando. Observando ambos el jinete y el caballo se puede encontrar un gran contraste en los ejes vertical y horizontal de las dos figuras, que se contrarrestan y hacen una imagen armoniosa y equilibrada. La escultura no tiene simetría, ya que en la parte superior el tamaño del jinete es mucho mas pequeño que la del caballo de la parte de debajo de la obra. Es de forma tridimensional, con volumen y profundidad, las sombras crean una sensación de un caballo fuerte. La estatua no esta pintada pero aparenta colores fríos, lo cual expresa misterio, pero fortaleza al mismo tiempo. La postura del jinete y la ropa que trae puesta representa fortaleza, seguridad y poder militar.

El Condotiero Gattamelata manifiesta de forma plástica los conceptos de realismo e idealización, con un estudio naturalista de la figura humana. La obra pertenece a la época Quatrrocenta. Visualizando la obra se puede notar el naturalismo y la serenidad del jinete y del caballo. La obra fue creada para glorificar al personaje representado, y resalta las virtudes del militar. Lo cual el jinete maneja al caballo sin violencia pero manteniendo su postura y autoridad. 

En conclusión la obra claramente crea un claro ejemplo de lo que se rescata de lo antiguo, desarrollando un tipo de retrato de un jinete montando un caballo (ecuestre) que tendrá una profunda influencia en la escultura posterior. La obra es visualmente valiosa ya que da una imagen del poder, que será imitado por caudillos militares y monarcas.

Historia del Arte: Renacimiento

La Primavera

Descripción

La Primavera, obra creada por el famoso pintor florentino Sandro Botticelli, es una pintura de temple de huevo sobre tabla. En el centro de la pintura podemos apreciar la imagen de Venus, diosa del amor; del lado derecho se encuentra Céfiro, el viento que persigue a la ninfa de la Tierra, llamada Cloris, la cual al ser tocada por Céfiro se transforma en Flora, la diosa de la vegetación y de las flores. En la parte superior se encuentra Cupido, quien dirige sus flechas a las tres Gracias del lado izquierdo de la obra. La Gracia del centro, llamada Castitas está volteando a ver al dios Mercurio, el cual se encuentra en el extremo izquierdo de la pintura, mensajero de los dioses y el vínculo entre la tierra y el cielo. 

Análisis

En la pintura se puede apreciar como Botticelli fue capaz de utilizar el detalle y la riqueza de los colores. La delicadeza con la cual representa a la naturaleza, como se puede observar en el vestido de Flor, el cual está cubierto por flores de distintas especies. Las figuras dentro de la obra parecieran como si flotaran, esto se puede observar en las tres Gracias, así mismo se puede observar como el artista crea movimiento dentro de las figuras. Se utiliza la perspectiva dentro de la obra ya que las figuras parecen estar a diferentes distancias. La composición de la pintura es equilibrada, con una luz homogénea y color delicado. El ambiente dentro de la obra se podría decir que es melancólico. Sandro Botticelli utilizó un tema mitológico para la creación de su famosa obra. La pintura de Botticelli glorifica el cuerpo desnudo, característica importante dentro de la época del Renacimiento. 

Interpretación

La pintura es un símbolo del amor platónico y la armonía entre la naturaleza y la humanidad. También se puede interpretar que Sandro Botticelli quiso representar los meses, desde el mes de febrero (Céfiro) al mes de septiembre (Mercurio). 

Es importante la representación del ser humano y del paisaje dentro de la obra, así como la búsqueda de la belleza y la imitación de la realidad. Botticelli obtuvo su inspiración en la Antigua Grecia y roma, al usar el desnudo, el tema “mitológico” y la armonía. 

Juicio

Se podría decir que la obra es estéticamente valiosa, ya que se basa en las diferentes teorías del arte, como la del formalismo y el emocionalismo. Sandro Botticelli utiliza efectivamente los elementos del arte, tales como la perspectiva, el movimiento, el balance, entre otros, para crear su obra. De la misma manera el artista es capaz de comunicar y transmitir una sensación de melancolía a los espectadores, a través de los rostros melancólicos de las figuras que se encuentran en la pintura.

Exposición Escultórica

Durante este mes de Marzo, visitamos el
museo "Antiguos Mexicanos" en el Planetario Alfa, es una exposición de piezas originales donde puedes conocer más acerca de los Olmeas, Mayas, Teotihucanos, Zapotecas, Mexicas y Occidente. 

En el museo observamos diferentes esculturas y piezas de diferentes grupos étnicos, que representan las costumbres y creencias de las culturas más importantes que habitaron nuestro país. De los totonacas identificamos la producción de figuras con caras sonrientes, figuras y esculturas mayas, olmecas, teotihucanas, entre otras. Este museo se localiza en el quinto piso del Planetario Alfa, en San Pedro Garza García. 

La pieza que más llamo nuestra atención fue una figura de la cultura Maya titulada "Kinich Ahau", un brasero de cerámica con la representación de Kinich Ahau, dios solar. Esta obra nos pareció bastante interesante, ya que se observan varias caras en una solo piezas. Las caras o mascaras que se encuentran en la cerámica, tienen una forma impresionante de llamar la atención del espectador, ya que contienen formas y relieves que destacan la cultura maya. 

Nosotras creemos que ambas metodologías se podrían utilizar para analizar esta obra porque contienen aspectos importantes, tanto históricos como críticos del arte. La obra de cerámica maya contiene muchos símbolos y figuras importantes, así mismo la escultura forma una parte importante en la historia maya y representa las costumbres y forma de vida de los antepasados de nuestro país. 

Esta obra de arte es un brasero de cerámica creado en forma vertical, tiene  un color entre gris y café. Es una escultura maya con cuatro cabezas cada una con una nariz, ojos grandes, una especie de accesorio en la parte superior de la cabeza, mide aproximadamente un metro de altura y alrededor de unos 30 cm de ancho. 

Las lineas de la escultura son verticales, va de arriba hacia abajo, la escultura busca atención y en enfoque del espectador. Utiliza formas geométricas y tiene una forma tridimensional. La textura de la escultura es real, ya que literalmente podemos sentir la rugosidad y textura de la obra y sus diferentes relieves y formas. La escultura es un brasero de cerámica con tres cabezas que están relacionadas con la fertilidad y Kinch Ahua, un dios solar maya. 

Los mayas tenían una creencia unida a una ideología reinante, eran personas dedicadas a venerar a distintos dioses dependiendo de su ideología y su religión. Los hombres se  preocupaban en entender el por que sucedían las cosas como lo hacían, es por esto que trataban de explicar las cosas a través de mitos o leyendas. Esta cultura prehispánica se dedicaba al culto, a la devoción a distintos dioses, a el sacrificio humano o de animales. Esta obra es una de las muchas esculturas y representaciones artísticas de la cultura maya, es una representación de Kinich Ahua, el dios solar, gobernante de los dioses y solucionado de problemas. Las flores en las cabezas representan la fertilidad de la tierra y entre las 4 cuatro cabezas que se pueden observar se encuentra la del dios y las otras 3 la fertilidad. 

Se podría decir que esta escultura tiene un valor de gran importancia para la historia porque es una representación de las costumbres y creencias religiosas de los mayas y la manera en la que ellos entendían y relacionaban su entorno. La teoría del arte que sustentaría a esta obra sería la del formalismo. La escultura impone un estilo artístico, sin embargo nos hace entender como el autor o autores que crearon esta pieza de cerámica pensaban o creían. 

La Edad Media Pensamiento, cultura y temor

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Políptico de la Virgen de la Leche

En el Políptico de la Virgen de la Leche, del pintor Bernabé de Módena, se puede observar a una representación de la Virgen cargando al niño Dios en sus brazos. La figura de la virgen se encuentra envuelta en una túnica de color obscuro y el niño Dios con una manta de color naranja. Atrás de las figuras, se pueden apreciar colores como el rojo opaco y el dorado en el fondo junto con garabatos en lo que se podría entender como una pared.

Esta obra creada en la Edad Media, se puede analizar profundamente, a través de los diferentes elementos del arte, como el color, las líneas, la textura, la figura y el espacio de la obra. Los colores dentro de la obra son en su mayoría colores cálidos, los cuales afectan las cualidades estéticas y el mensaje de la obra y crea una sensación de espacio dentro de la obra. La intensidad de los colores utilizados en la obra por Bernabé de Módena son colores opacos y algunas veces más brillantes como por ejemplo en el fondo de color dorado. Las líneas en una obra son el elemento más versátil, en este caso se pueden observar líneas curvas dentro de la obra, lo cual sugiere un movimiento de fluidez. La textura de la obra se puede considerar como una textura simulada, ya que se crea una ilusión o apariencia de una superficie representada por el artista, las líneas curvas de la túnica de María dan una ilusión de que esta arrugada. Los objetos son bidimensionales, debido a que es una pintura y no una escultura o una obra arquitectónica. El espacio de la obra se considera como un espacio tridimensional o real, ya que se utiliza la altura, anchura y profundidad.

Las cualidades del arte dentro de una obra son las reglas con las que se usa el vocabulario o elementos del arte y que conforman la composición en la obra. Los principios que se utilizaron para analizar “La Virgen de la Leche” fueron el balance, la armonía, el énfasis, la variedad, el movimiento y la proporción. El balance, es el equilibrio entre los elementos del arte, se podría decir que el balance es asimétrico, ya que nos el lado izquierdo no es un espejo del derecho y el peso visual se enfoca en el lado izquierdo de la pintura. El énfasis de atención en esta pintura está en el niño Dios y en la Virgen, nuestra atención se enfoca específicamente en estos personajes debido a los colores utilizados por el artista. La proporción, la cual se refiere a la relación de tamaño entre las partes de una obra en relación al conjunto, es una proporción correcta debido a que da un sentido de orden al usar las proporciones correctas en tamaño, forma y color.

El propósito y el mensaje de la obra “La Virgen de la Leche” son religiosos, exalta el sentimiento de amor materno y el cariño al niño Dios. La Virgen está representada con una gran belleza y su rostro da una sensación de calma y cariño. Nuestra opinión personal del mensaje de esta obra, es que el autor intento plasmar la religión en una obra de arte, para que de esta manera el espectador pueda entender la importancia de estos personajes en el cristianismo y su rol en la doctrina cristiana.

La obra se puede considerar estéticamente valiosa que se sustenta en las diferentes teorías del arte, como la del formalismo, la cual explica las cualidades de diseño y la organización efectiva de los elementos del arte a través del uso de los principios artísticos.

La Piedad

En la escultura de la Piedad de Roettgen, se puede apreciar una mujer sentada lo cual representa la Virgen María, cargando sobre su regazo se encuentra un hombre delgado y caído, lo cual representa el cuerpo sin vida de Jesús. La mujer esta vestida con una túnica larga y el hombre esta semidesnudo. Ambos con la cara caída. La Piedad de Roettgen, que fue hecha en la primera mitad del siglo XIV, donde la Virgen es percibida bajo el aspecto de una mujer prematuramente envejecida por el dolor.

Analizando la estatua se puede decir que ambos la mujer y el hombre están sufriendo o están tristes. La escultura tiene líneas curvas en la túnica lo expresan movimiento, y crean una sensación de que la túnica esta arrugada. Encontramos un gran contraste en los ejes vertical y horizontal de las dos figuras, que se contrarrestan para ofrecer una imagen armoniosa y equilibrada. La escultura no tiene simetría, ya que la parte superior del hombre (el dorso) hace que un lado este mas cargado que el otro, de el otro lado se encuentran sus piernas delgadas lo cual no ocupan mucho espacio. La escultura es una figura tridimensional, con volumen y profundidad, las sombras crean una sensación de un cuerpo muy débil y delgado. Los colores de la estatua son fríos, lo cual dan una sensación tenebrosa. El velo que cubre la cabeza se puede decir que representa la viudez, y el manto que envuelve su cuerpo es recuerda el hábito de las monjas. Expresa la crucifixión que expresa el dolor humano, el paralelismo de las piernas, el cuerpo abandona la verticalidad y se arquea, y Cristo trae tres clavos lo cual expresa el mayor dolor.

Después de profundizar la obra, nosotras pensamos que la escultura representa a María sufriendo por la perdida de su hijo. La escultura es bastante expresiva, su boca reseca y medio abierta, las costillas sobresalientes, el delgado estomago, las heridas con sangre, expresando un realismo sádico y agresivo. Aunque se puede apreciar como expresa una sensación en su rostro de tranquilidad, mientras dirige su mirada hacia abajo, hacia el cuerpo de Jesús; su hijo. La obra representa un cuerpo muerto. Además el rostro de la Virgen es el de una niña joven, pura y eternamente virgen. Aunque las edades no son coherente entre Jesús y su madre. Lo que se intenta hacer no es un retrato realista, sino idealizar la figura de la Virgen llena de pureza y juventud. 

La escultura es estéticamente valiosa ya que es muy bella a los ojos de la gente y representa lo que realmente vivían el la Edad Media, y también refleja la importancia de la religión y la devoción hacia la Virgen María. Esta es una escultura que se ha recreado a lo largo de los años, lo cual cada época expresa diferentes símbolos y pensamientos, esta escultura sobre todo es mas sádica que las demás y mas expresiva, ya que expresa el tema trágico de cristo muerto junto al dolo de la madre. Histórico, la Escultura de la Piedad que se expone en el museo de la ciudad bávara de Coburg.

Exposición Pictórica

En la exposición pictórica llevada a cabo durante el mes de febrero en el Deportivo Alpino Chipinque en San Pedro Garza García vimos diferentes obras de arte creadas por varias artistas. 

Maru Leal, Nora Sepúlveda, Greta Guerrero, Olga García de González, Marcela Ríos de Ruiz, Elizabeth Quiroga Peña, Edith González, Bárbara Barrios, Adriana Rodríguez Miranda, Lisa María González, Lilian Santoyo, Katia Tassinari, Andrea Reyes, Alexandra Castro y Elvia Tapia fueron las artistas de esta exposición. 

Las obras de arte contenían distintos materiales, cómo acrílico en tela, óleo, mixta en lienzo y acrílico en papel.

La obra que más llamo nuestra atención fue la pintura hecha por Olga García de González titulada "Renaciendo Juntos". Esta obra fue la que más nos gustó debido a sus colores y nos crea un sentimiento de relajación y armonía. 

La metodología que creemos más conveniente para hacer un análisis de esta obra, es la crítica, ya que la pintura no ha creado un impacto histórico y podemos obtener un análisis de las cualidades y elementos del arte que se plasman en la obra.

Dentro de la obra de arte podemos encontrar unas flores dibujadas donde predominan los colores fríos. Se puede observar que es una pintura bastante simple y sencilla. Encontramos colores como el blanco, el azul, el morado, el verde y el café/naranja. La artista utilizó la técnica mixta sobre lienzo para crear esta obra.

Los colores dentro de la obra son fríos, lo cual afecta las cualidades estéticas y el mensaje de la obra. Al añadir blanco o negro a los colores, como se puede observar en esta pintura, la artista es capaz de darle un efecto de sombra a las flores convirtiéndolas en formas más sólidas que planas. Las líneas dentro de la obra son verticales, como por ejemplo en el tallo de la flor, así como también podemos observar líneas curvas que dan una sensación de fluidez a la obra. La obra tiene una textura simulada, ya que la artista crea una ilusión o apariencia de una superficie sin realmente tenerla. La figura de la pintura contiene objetos bidimensionales, ya que al contrario de un objeto tridimensional la pintura no contiene anchura ni profundidad.

El balance es el equilibrio entre los elementos del arte, en este caso podemos observar que la obra es asimétrica, ya que el lado izquierdo no es un espejo del derecho. Debido a que la flor del lado izquierdo contiene colores más obscuros, la artista enfoca nuestra atención en esa parte de la obra. Se podría decir que la obra contiene una proporción distorsionada, la cual nos produce un impacto visual más expresivo.

Al analizar y relacionar los principios y elementos del arte que se encuentran en la pintura podemos interpretar e inferir que la artista quiso representar una escena de tranquilidad y causar una sensación de paz y calma. Al mismo tiempo, la obra es intrigante y nos hace querer saber más acerca de porque la artista quiso dibujar lo que dibujo y cuál es su significado real.

La obra es una obra estéticamente valiosa, ya que se basa en la teoría del formalismo, la cual  tienen cualidades de diseño al organizar de forma efectiva los elementos del arte a través del uso de los principios artísticos.

Estatua de Zeus en Olimpia

En la estatua de Zeus en Olimpia, se puede apreciar un hombre de color blanco sentado en un trono, queriendo transmitir poder. El hombre se encuentra semidesnudo, ya que la tunica color oro cubre de la cintura para abajo, con los mismo tonos de oro. El hombre esta sujetando un bastón con su mano izquierda, junto a un águila postrado del mismo color. 

Analizando la estatua se puede decir que Zeus era un Dios, lo cual su postura impone poder. La escultura esta en línea vertical la cual representa fuerza. Las líneas de la tunica son curvas lo cual expresan cierto movimiento, también su textura crea la sensación deque esta arrugada. La escultura no tiene simetría ya que un lado esta mas cargado que el otro, de un lado se encuentra el bastón y el águila, del otro lado sostiene en su mano elevada una figura de un ángel. En general la estatua es una figura tridimensional, con volumen y profundidad. La estatua tiene ciertas sombras las cuales la hacen ver fuerte y marcada. Los colores varían entre los oros y blancos, esta labrada en mármol, en general, el mármol es color blanco y algunas partes están pintadas de color oro. 

Después de estudiar la escultura, nosotras pensamos que la obra representa básicamente poder y fuerza. Donde el Dios llamado Zeus esta sentado con un pie adelante como mostrando seguridad y superioridad, el hecho de que tenga un bastón muestra que puede dirigir y dominar a la gente.

La escultura es estéticamente valiosa ya que es bella a los ojos de la gente y representa lo que realmente se vivía en las épocas clásicas de Grecia. Se respalda con las 3 diferentes teorías del arte ya que sigue la porque imita la realidad, formalismo porque cumple con la mayoría de los elementos y principios del arte y también emocionalismo porque representa los sentimientos de poder que los Dioses tenían en la Antigua Grecia. Histórico La Estatua de Zeus en Olimpia fue creado por un escultor llamado Fidias. Le tomó 12 años, 430 a 422 antes de Cristo, para completar la estatua. Zeus era considerado el rey de los dioses griegos y esta magnífica estatua fue creada en honor a él. Fue colocado en el templo de Olimpia, un santuario dedicado a Zeus, donde los Juegos Olímpicos se llevó a cabo cada cuatro años. La estatua fue destruida por un incendio en el siglo 5 D.C.

Choisissant Ses Modèles

En la obra de arte de Zeuxis se pueden apreciar 11 mujeres semidesnudas, donde están preparándose para algo, están en una sala con arquitectura de la época clásica de Grecia. Se puede inferir que las mujeres están un poco tristes o asustadas, por lo que les espera.

En la obra se anteponen los colores fríos y neutros, donde los colores fríos retroceden y los cálidos se anteponen. La obra contiene líneas verticales, las cuales representan la fuerza, como lo podemos ver en las cortinas en el centro de la obra. Así mismo podemos encontrar líneas curvas, las cuales crean la sensación de fluidez y movimiento dentro de la obra, como las que se observan en la figura de las mujeres. La textura de la obra de Zeuxis es simulada, ya que no podemos físicamente sentir las diferentes texturas que se intentan representar en la pintura. La figura de la obra esta determinada por las líneas, el color y la textura, en este caso la figura contiene objetos bidimensionales. 

Se podría decir que la pintura contiene un balance asimétrico ya que el lado izquierdo no es un espejo del derecho, el peso visual se carga en el lado derecho, creando una composición mas informal. El punto de atención en la obra es la esquina inferior derecha, ya que el autor enfoca nuestra atención en las mujeres que se encuentran de ese lado. La pintura contiene armonía debido que se combinan elementos similares para crear orden. La proporción de la obra es correcta, ya que se da un sentido de orden al usar las proporciones correctas en tamaño, forma y color. 

Después de analizar la obra nuestra interpretación personal es que las mujeres expresan en cierta forma un sentimiento de preocupación y tristeza, debido a la forma de que sus cuerpos están posicionados, y en las expresiones corporales que el artista intenta personificar dentro de la pintura. Podría decirse que las mujeres tiene ese sentimiento por el futuro que les espera detrás de aquella misteriosa cortina. 

La obra es estéticamente valiosa ya que se basa en la teoría del arte del emocionalismo, la cual intenta crear una comunicación vívida de estados de ánimo, sentimientos e ideas.