Exposición Escultórica

Durante este mes de Marzo, visitamos el
museo "Antiguos Mexicanos" en el Planetario Alfa, es una exposición de piezas originales donde puedes conocer más acerca de los Olmeas, Mayas, Teotihucanos, Zapotecas, Mexicas y Occidente. 

En el museo observamos diferentes esculturas y piezas de diferentes grupos étnicos, que representan las costumbres y creencias de las culturas más importantes que habitaron nuestro país. De los totonacas identificamos la producción de figuras con caras sonrientes, figuras y esculturas mayas, olmecas, teotihucanas, entre otras. Este museo se localiza en el quinto piso del Planetario Alfa, en San Pedro Garza García. 

La pieza que más llamo nuestra atención fue una figura de la cultura Maya titulada "Kinich Ahau", un brasero de cerámica con la representación de Kinich Ahau, dios solar. Esta obra nos pareció bastante interesante, ya que se observan varias caras en una solo piezas. Las caras o mascaras que se encuentran en la cerámica, tienen una forma impresionante de llamar la atención del espectador, ya que contienen formas y relieves que destacan la cultura maya. 

Nosotras creemos que ambas metodologías se podrían utilizar para analizar esta obra porque contienen aspectos importantes, tanto históricos como críticos del arte. La obra de cerámica maya contiene muchos símbolos y figuras importantes, así mismo la escultura forma una parte importante en la historia maya y representa las costumbres y forma de vida de los antepasados de nuestro país. 

Esta obra de arte es un brasero de cerámica creado en forma vertical, tiene  un color entre gris y café. Es una escultura maya con cuatro cabezas cada una con una nariz, ojos grandes, una especie de accesorio en la parte superior de la cabeza, mide aproximadamente un metro de altura y alrededor de unos 30 cm de ancho. 

Las lineas de la escultura son verticales, va de arriba hacia abajo, la escultura busca atención y en enfoque del espectador. Utiliza formas geométricas y tiene una forma tridimensional. La textura de la escultura es real, ya que literalmente podemos sentir la rugosidad y textura de la obra y sus diferentes relieves y formas. La escultura es un brasero de cerámica con tres cabezas que están relacionadas con la fertilidad y Kinch Ahua, un dios solar maya. 

Los mayas tenían una creencia unida a una ideología reinante, eran personas dedicadas a venerar a distintos dioses dependiendo de su ideología y su religión. Los hombres se  preocupaban en entender el por que sucedían las cosas como lo hacían, es por esto que trataban de explicar las cosas a través de mitos o leyendas. Esta cultura prehispánica se dedicaba al culto, a la devoción a distintos dioses, a el sacrificio humano o de animales. Esta obra es una de las muchas esculturas y representaciones artísticas de la cultura maya, es una representación de Kinich Ahua, el dios solar, gobernante de los dioses y solucionado de problemas. Las flores en las cabezas representan la fertilidad de la tierra y entre las 4 cuatro cabezas que se pueden observar se encuentra la del dios y las otras 3 la fertilidad. 

Se podría decir que esta escultura tiene un valor de gran importancia para la historia porque es una representación de las costumbres y creencias religiosas de los mayas y la manera en la que ellos entendían y relacionaban su entorno. La teoría del arte que sustentaría a esta obra sería la del formalismo. La escultura impone un estilo artístico, sin embargo nos hace entender como el autor o autores que crearon esta pieza de cerámica pensaban o creían. 

La Edad Media Pensamiento, cultura y temor

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Políptico de la Virgen de la Leche

En el Políptico de la Virgen de la Leche, del pintor Bernabé de Módena, se puede observar a una representación de la Virgen cargando al niño Dios en sus brazos. La figura de la virgen se encuentra envuelta en una túnica de color obscuro y el niño Dios con una manta de color naranja. Atrás de las figuras, se pueden apreciar colores como el rojo opaco y el dorado en el fondo junto con garabatos en lo que se podría entender como una pared.

Esta obra creada en la Edad Media, se puede analizar profundamente, a través de los diferentes elementos del arte, como el color, las líneas, la textura, la figura y el espacio de la obra. Los colores dentro de la obra son en su mayoría colores cálidos, los cuales afectan las cualidades estéticas y el mensaje de la obra y crea una sensación de espacio dentro de la obra. La intensidad de los colores utilizados en la obra por Bernabé de Módena son colores opacos y algunas veces más brillantes como por ejemplo en el fondo de color dorado. Las líneas en una obra son el elemento más versátil, en este caso se pueden observar líneas curvas dentro de la obra, lo cual sugiere un movimiento de fluidez. La textura de la obra se puede considerar como una textura simulada, ya que se crea una ilusión o apariencia de una superficie representada por el artista, las líneas curvas de la túnica de María dan una ilusión de que esta arrugada. Los objetos son bidimensionales, debido a que es una pintura y no una escultura o una obra arquitectónica. El espacio de la obra se considera como un espacio tridimensional o real, ya que se utiliza la altura, anchura y profundidad.

Las cualidades del arte dentro de una obra son las reglas con las que se usa el vocabulario o elementos del arte y que conforman la composición en la obra. Los principios que se utilizaron para analizar “La Virgen de la Leche” fueron el balance, la armonía, el énfasis, la variedad, el movimiento y la proporción. El balance, es el equilibrio entre los elementos del arte, se podría decir que el balance es asimétrico, ya que nos el lado izquierdo no es un espejo del derecho y el peso visual se enfoca en el lado izquierdo de la pintura. El énfasis de atención en esta pintura está en el niño Dios y en la Virgen, nuestra atención se enfoca específicamente en estos personajes debido a los colores utilizados por el artista. La proporción, la cual se refiere a la relación de tamaño entre las partes de una obra en relación al conjunto, es una proporción correcta debido a que da un sentido de orden al usar las proporciones correctas en tamaño, forma y color.

El propósito y el mensaje de la obra “La Virgen de la Leche” son religiosos, exalta el sentimiento de amor materno y el cariño al niño Dios. La Virgen está representada con una gran belleza y su rostro da una sensación de calma y cariño. Nuestra opinión personal del mensaje de esta obra, es que el autor intento plasmar la religión en una obra de arte, para que de esta manera el espectador pueda entender la importancia de estos personajes en el cristianismo y su rol en la doctrina cristiana.

La obra se puede considerar estéticamente valiosa que se sustenta en las diferentes teorías del arte, como la del formalismo, la cual explica las cualidades de diseño y la organización efectiva de los elementos del arte a través del uso de los principios artísticos.

La Piedad

En la escultura de la Piedad de Roettgen, se puede apreciar una mujer sentada lo cual representa la Virgen María, cargando sobre su regazo se encuentra un hombre delgado y caído, lo cual representa el cuerpo sin vida de Jesús. La mujer esta vestida con una túnica larga y el hombre esta semidesnudo. Ambos con la cara caída. La Piedad de Roettgen, que fue hecha en la primera mitad del siglo XIV, donde la Virgen es percibida bajo el aspecto de una mujer prematuramente envejecida por el dolor.

Analizando la estatua se puede decir que ambos la mujer y el hombre están sufriendo o están tristes. La escultura tiene líneas curvas en la túnica lo expresan movimiento, y crean una sensación de que la túnica esta arrugada. Encontramos un gran contraste en los ejes vertical y horizontal de las dos figuras, que se contrarrestan para ofrecer una imagen armoniosa y equilibrada. La escultura no tiene simetría, ya que la parte superior del hombre (el dorso) hace que un lado este mas cargado que el otro, de el otro lado se encuentran sus piernas delgadas lo cual no ocupan mucho espacio. La escultura es una figura tridimensional, con volumen y profundidad, las sombras crean una sensación de un cuerpo muy débil y delgado. Los colores de la estatua son fríos, lo cual dan una sensación tenebrosa. El velo que cubre la cabeza se puede decir que representa la viudez, y el manto que envuelve su cuerpo es recuerda el hábito de las monjas. Expresa la crucifixión que expresa el dolor humano, el paralelismo de las piernas, el cuerpo abandona la verticalidad y se arquea, y Cristo trae tres clavos lo cual expresa el mayor dolor.

Después de profundizar la obra, nosotras pensamos que la escultura representa a María sufriendo por la perdida de su hijo. La escultura es bastante expresiva, su boca reseca y medio abierta, las costillas sobresalientes, el delgado estomago, las heridas con sangre, expresando un realismo sádico y agresivo. Aunque se puede apreciar como expresa una sensación en su rostro de tranquilidad, mientras dirige su mirada hacia abajo, hacia el cuerpo de Jesús; su hijo. La obra representa un cuerpo muerto. Además el rostro de la Virgen es el de una niña joven, pura y eternamente virgen. Aunque las edades no son coherente entre Jesús y su madre. Lo que se intenta hacer no es un retrato realista, sino idealizar la figura de la Virgen llena de pureza y juventud. 

La escultura es estéticamente valiosa ya que es muy bella a los ojos de la gente y representa lo que realmente vivían el la Edad Media, y también refleja la importancia de la religión y la devoción hacia la Virgen María. Esta es una escultura que se ha recreado a lo largo de los años, lo cual cada época expresa diferentes símbolos y pensamientos, esta escultura sobre todo es mas sádica que las demás y mas expresiva, ya que expresa el tema trágico de cristo muerto junto al dolo de la madre. Histórico, la Escultura de la Piedad que se expone en el museo de la ciudad bávara de Coburg.